Résumés – Ethnographier l’invisible, dire l’indicible

 Étudier le geste en musique ancienne européenne : le cas du violon baroque

Par Cyril LACHEZE (Doctorant, IHMC – Paris 1)

Cette communication se penche sur l’étude de gestes ayant la particularité de ne plus être pratiqués et d’avoir été oubliés depuis plus de deux siècles, ce qui la place d’emblée à la limite entre les champs disciplinaires de l’histoire des techniques et de l’ethnographie. Ce cas particulier permet d’appréhender de manière plus générale les situations dans lesquelles l’observation du sujet d’étude ne peut pas être menée directement, mais s’effectue via diverses sources de première voire seconde main. Le contexte européen permet par contre à ce sujet de bénéficier d’un large panel de sources : traités et autres textes, une iconographie nombreuse, la notation du résultat obtenu sous forme de partitions, ou encore quelques indices archéologiques via les instruments. Depuis une quarantaine d’années, la renaissance de la musique dite « historiquement informée » pousse même à retrouver concrètement ces geste à partir desdites sources, offrant ainsi à la fois une occasion de tester les hypothèses précédemment émises, et d’observer les gestes reproduits pour en tirer de nouvelles hypothèses.

Que ce soit pour le travail de l’observateur scientifique, ou simplement du musicien qui reconstitue ces gestes plus artistiquement, la problématique se résume assez vite à un jeu d’identification des modalités d’informations sur la technique ancienne, et de la pertinence et la portée des informations elles-mêmes. Ceci est valable aussi bien pour les sources anciennes, pour l’observation du musicien actuel qui reconstitue, et même pour le chercheur qui effectue une observation sur lui-même dans un but d’expérimentation.

Malgré la multiplicité des données, de grandes logiques méthodologiques peuvent être définies. L’observation directe n’est possible que dans le cadre d’une reconstitution actuelle, expérimentale ou non. Il serait ici virtuellement possible d’enregistrer l’ensemble des paramètres du jeu, mais il convient en réalité de définir précisément ceux à observer car porteurs de signification. correspondent à une mise par écrit du savoir-faire gestuel, mais de manière partielle et partiale nécessitant une critique poussée.

L’étude du geste en musique ancienne se trouve ainsi à la frontière de nombreuses disciplines, et implique le recours à des sources variées en corpus « ouvert », pour palier à l’absence d’observation directe. Seule la maîtrise de ces sources, une approche clairement pluridisciplinaire, ainsi que d’une pratique personnelle de l’objet étudié, permettent alors de constituer un tableau pertinent de l’ethnographie historique de ce geste technique.

Mots-clés : geste, technique, savoir-faire, musicien, violon

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La leçon de chant

Par Valérie THACKERAY (Doctorante, Université de Lorraine)

Notre recherche s’inscrit en sociologie de la musique et porte sur les pratiques vocales en région Lorraine. Nous considérons que amateurs et professionnels évoluent dans les mêmes registres et que ces catégories mêmes sont le produit des acteurs, c’est pourquoi notre recherche ne se cantonne ni aux formations professionnellelles (par exemple les conservatoires) ni aux amateurs (dans les chorales), mais s’appuie sur une approche symétrique qui tient compte des différents cadres de la transmission du chant. Pour cette recherche, nous accordons une attention particulière aux techniques du corps, qui sont un aspect essentiel de la transmission. Les acteurs appellent les aspects liés à gestuelle du chant «technique vocale».

Contrairement à d’autres disciplines telles que le sport ou la danse, la plupart des gestes des chanteurs sont invisibles à l’oeil nu. Pourtant, le chanteur apprend à utiliser son corps de façon à produire un son artistique, c’est à dire doté d’une certaine puissance et d’une intention musicale. En tant que sociologue comment appréhender ce savoir-faire ?

Un groupe de recherche composé de musicologues et ingénieurs de l’Université de Showa1, au japon a réalisé des IRM de chanteurs afin de visualiser les mouvements de la cage thoracique en partant de ce constat : « Un des enjeux principaix des performances vocales et de la pédagogie vocale c’est que les chanteurs ne peuvent pas visualiser leurs propres systèmes, sur lesquels s’appuient le chant. Quand ils décrivent leurs techniques, pourtant, les chanteurs expriment souvent leur conscience du corps. Nos entretiens les plus récents auprès de chanteurs professionnels et apprentis montrent qu’ils considèrent que la conscience corporelle et le contrôle du diaphragme jouent un rôle majeur dans un chant de qualité». C’est effectivement la particularité du chant qu’une partie essentielle de l’apprentissage consiste à avoir conscience du corps.

Nous proposons pour cet atelier, de focaliser sur la situation du cours de chant et de décrire les techniques vocales à partir de différents outils sociologiques, mais aussi en tenant compte des outils utilisés par les acteurs pour transmettre ces techniques. En effet, les acteurs utilisent différentes méthodes pour expliquer les techniques et agir sur le corps. Les entretiens avec les chanteurs sont utiles pour analyser les parcours des individus, mais pour appréhender les techniques du corps, la photographie nous paraît être un outil pertinent.

1) Haneishi, R. Oribe, H. Takemoto, H. Kawahara, K. Honda, T. Saitou, K. Hagiwara and H. Kishimoto, Attempts of visualization of singing techniques: MRI motion imaging of diaphragm activities and acoustic features during singing, The 43rd Voice Foundation Annual Symposium, VP17, 2014

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Mémoire d’un métier vivant, tradition et nouvelles technologies au service de l’Art campanaire

Par Françoise Bergamo (Doctorante, CNAM)

Cette communication s’inscrit dans un travail de recherche pour la préparation d’une thèse en Histoire des Techniques sur la « Mémoire d’un métier vivant : l’Art Campanaire ». C’est-à- dire l’art de fabriquer des cloches monumentales, dans la tradition occidentale.

Ce savoir-faire est l’héritage de près de 1 500 ans d’expérimentations et de connaissances partagées par moins d’une centaine de compagnons en Europe. Il fait appel à de multiples compétences rarement réunies chez un simple artisan : moulage, métallurgie du bronze, physique, acoustique, forge, charpente, cire perdue … Depuis une trentaine d’années de nouvelles technologies, de nouveaux outils commencent à être à la portée technique et économique des très petites entreprises (TPE). Comment les artisans fondeurs de cloches les ont-ils intégrés dans leur pratique ? Pourquoi ?

Au-delà de la description méthodique de la chaine opératoire ces problématiques s’imposent à nous. Sommes-nous préparés à « lire » ces nouveaux outils ? Ne risquent-ils pas de « trahir » un métier d’art ancestral avec ses usages, sa gestuelle, sa symbolique. La mesure « objective » grâce aux instruments ne va-t-elle pas se substituer aux représentations mentales de l’artisan, connaissances acquises pour l’essentiel par la simple observation des ainés. Peuvent-ils être mis au service d’un métier d’art sans l’appauvrir, sans faire perdre à ses utilisateurs leur perception intuitive du métier. Peuvent-ils aider à la transmission en donnant une image « moderne » du métier aux yeux des jeunes apprentis.

L’objet de ma thèse est de saisir cette époque de mutation importante dans la longue histoire du métier de fondeur de cloches, décrypter comment les nouvelles technologies ont été adaptées, adoptées, appropriées, assimilées dans des procédés de fabrication qui gardent cependant la mémoire de gestes issus du Moyen Age. La mutation est récente et il encore possible de confronter les points de vue des compagnons qui ont su tracer les cloches à la pointe et au compas. Le fondeur, ingénieur de formation, qui a su modéliser sur informatique ces tracés, est encore capable de témoigner de sa démarche, expliquer les difficultés qu’il a dû surmonter, les hypothèses sur les non-dits, les tâtonnements jusqu’à la mise en place d’un procédé stable et fiable. Les recherches menées par ce même ingénieur sur les traitements métallurgiques et les mesures acoustiques par analyseur de spectre électronique permettent de remettre en cause nombre de « légendes » et autres idées reçues. Malgré cette rigueur apportée par la technologie, le métier garde toujours une part d’aléas et de fascination propre aux « maîtres du feu ».

Dans une fonderie de cloches monumentales, quel que soit son degré d’évolution technique, on est toujours dans un mode de fabrication de pièces uniques. L’objet fabriqué, la cloche, qui peut peser de quelques kilos à quelques tonnes, est unique par ses caractéristiques sonores et esthétiques. Mais elle est aussi unique du fait du procédé de fabrication. Le moule qui va donner naissance à la cloche, se détériore lors de la coulée du métal et de sa phase de refroidissement car l’alliage versé est à près de 1 200 °C. Chaque compagnon est responsable de la qualité de « son » moule. Pour approcher la subtilité de ce savoir-faire les outils ethnographiques traditionnels sont indispensables : l’analyse de la gestuelle, la mobilisation des sens, l’anticipation des opérations, leur enchainement, le regard critique.

Mais on se doit d’aller plus loin. Pourquoi cohabitent encore des gestes et des technologies du Moyen Age comme le moulage au trousseau, l’usage de l’argile et du crottin de cheval et les outils et les matériaux les plus modernes tels que les gabarits découpés au laser, la fibre de verre et les élastomères. Un des aspects passionnants de la démarche est de reconstituer pourquoi et comment la planche de bois qui sert de gabarit à la construction du moule depuis plus de 1 000 ans vient de se transformer, en moins d’une dizaine d’années, en un objet hypersophistiqué fabriqué en FAO ( Fabrication Assistée par Ordinateur).

De même, quand on essaie de reconstituer, d’un point de vue technique, les caractéristiques sonores des cloches, comment le « signum » des premiers chrétiens est devenu un objet au « son musical » caractéristique qui emplie le paysage sonore. En confrontant les connaissances acoustiques et musicales contemporaines, on découvre des temporalités très décalées entre les connaissances théoriques et leur assimilation tant par les donneurs d’ordre que les fondeurs. Il faut attendre la fin du XX è pour que les cloches soient vendues sur des critères de justesse de ton et d’équilibre harmonique et non plus au poids ou au diamètre. On entrevoit comment la connaissance de l’histoire des techniques et technologies appliquées vient enrichir et expliquer l’évolution du savoir-faire.

Pour approcher un tel savoir-faire technique, les outils ethnographiques traditionnels permettant d’appréhender les gestes techniques, l’engagement corporel, restent toujours incontournables. Mais il faut savoir également acquérir ou collaborer avec des partenaires scientifiques, voire artistiques pour ce qui concerne la facture instrumentale, qui apporteront les connaissances techniques nécessaires à justifier les matériaux employés, la technologie qui sous-tend la fabrication des outillages et outils divers. Un savoir-faire technique est un corpus de connaissances et de pratiques qui s’est construit dans un environnement donné, sous diverses influences sociales, techniques, technologiques, dans des temporalités qui sont parfois complexes à décrypter. Il est important de formaliser et valoriser, dans son ensemble, le patrimoine immatériel qu’il constitue, d’autant plus quand il détenu par un très petit nombre d’acteurs et que l’on peut s’interroger, également, sur les conditions de sa pérennité.

Mots-clés : cloche, campanaire, savoir-faire, nouvelles technologies, artisanat+technologie

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